Se acaba la semana y, como ya viene siendo costumbre, os quiero hacer una recomendación cinematográfica. Se trata de una película que ya había visto cuando salió, pero a la que le he dado otro visionado en estas vacaciones, sobre todo, con la intención de compararla con la versión americana de la misma. Se trata de la cinta Déjame entrar, del director sueco Tomas Alfredson, una cinta en la que la inocencia de dos niños se ve teñida de crueldad y sangre y en la que se trata el tema de los vampiros desde una perspectiva diferente a cualquiera otra que se haya planteado, bien sea el amor prohibido de Buffy, cazavampiros, de los pálidos adolescentes de Crepúsculo o de los salvajes mordiscos de la serie True Blood. Alfredson convierte esta historia de amor entre un mortal y una vampiro en cuento en el que todo tiene un porqué, reflejando sentimientos tan universales como la soledad, la crueldad, el miedo, la amistad y el amor. Todo rodeado por el gélido ambiente del suburvio de Blackeberg en Estocolmo.



Déjame entrar está basada en una novela homónima del sueco John Ajvide Lindqvist. La historia se centra en Oskar, un niño de 12 años, de aspecto algo afeminado, que sufre un fuerte y cruel acoso por parte de sus compañeros. Su vida familiar tampoco es buena, por lo que poco a poco se va aislando del mundo real para crear uno propio. Uno en el que la venganza y la rabia contenida puedan salir. Una noche conoce a su nueva vecina, Eli, una niña pálida, que no siente el frío y que guarda un secreto. Es una vampiro, pero algo atípica. Ella también se siente sola, lo que hace que pronto conecte con Oskar y ambos comiencen una historia de amistad que poco a poco dará paso al amor.


La película de Tomas Alfredson, con guión del propio autor de la novela, se sitúa en los años 80 en un suburvio de Estocolmo. El ritmo de la cinta, la mezcla de elementos reales con situaciones propias de las películas de terror encajadas a la perfección, así como situaciones sobrecojedoras con las que cualquier espectador se puede sentir conmovido son los elementos que han posicionado a esta cinta como una de las grandes triunfadoras de los festivales por los que ha pasado. Premio Miliés de Oro y Mejor película europea en Sitges, Premio del Público en la Semana de Cine Fantástico de San Sebastián, Mejor Película en el Tribeca Film Festival y Mejor Largometraje en el Festival de Cine Fantástico de Málaga son los galardones que avalan la calidad de una cinta que, desde sus primeros minutos de metraje, revelan una compleja trama.


Y es Déjame entrar no sólo presenta la relación de los dos niños, sino la violencia que los más fuertes ejercen sobre los débiles, la crueldad que todos albergamos y las ganas de venganza que se pueden presentar cuando alguien es acosado sin descanso por los demás. Todo ello completado por los arquetipos vampíricos que tantas veces se han llevado a la gran pantalla, con cierto aspecto romántico y en una historia salpicada de ambigüedad sexual representada en el aspecto físico de los personajes. Oskar es un niño con aspecto afeminado, mientra que Eli parece por momentos un chico. La cinta, además, huye de todo sentimentalismo para ofrecer la crudeza y brutalidad necesaria, tanto a nivel explícito como violencia psicológica. Y es que en palabras del propio Ajvide Lindqvist sus historias "no contienen ni sangre ni violencia en exceso. Todo aparece de una forma natural pero sobre todo, intento describir cómo reacciona la gente frente a lo desconocido".

Avalada por las críticas, inteligentemente rodada, con un gran uso del limitado presupuesto y con dos protagonistas que, a pesar de ser su primer papel, consiguen transmitir todos los sentimientos y una química digna de las mejores parejas del cine, Déjame entrar triunfó en Estados Unidos de tal forma que la productora Hammer Films ha realizado un remake que ya os comentaré, porque hasta ahora no me he atrevido con él, por miedo a acabar con ganas de matar a alguien por destrozar una gran película que, si véis, ya me comentaréis qué os ha parecido. Feliz Fin de semana a tod@s.

Y ante estas fechas tan señaladas, Lastrend se viste de verde, rojo y blanco con una serie de reportajes especiales sobre cine, moda y compras navideñas. Así, hoy empezamos con la recomendación de una película de Navidad un tanto diferente. Hablamos de Pesadilla antes de Navidad, de Tim Burton, filme rodado en 1993 que con guión de Burton y dirección de Henry Selick. La película narra la historia de Jack, un esqueleto que vive en la ciudad de Halloween y que, por casualidad, descubre la Navidad. La historia de Burton se ha convertido en una película de culto de la que ha salido todo tipo de productoss: bolsos, camisetas, pósters, chapas... conquistando los corazones de diferentes generaciones. Además, el pasado año, Disney sacó una nueva versión de la película en 3D.

En forma de musical, Pesadilla antes de Navidad comienza con la celebración de Halloween, fiesta de la que Jack se encarga todos los años. Cansado de hacer siempre lo mismo, el esqueleto, acompañado de su perro Zero, vagará por el bosque. La casualidad hace que llegue a una ciudad en la que celebran la Navidad y el mundo de Jack da un vuelco. Cuando vuelve a su ciudad, empieza a investigar sobre la Navidad y su significado. Tras muchas vueltas, el protagonista llega a la conclusión de que la única forma de encontrar sentido a estas fechas y a su vida es secuestrar a Santa Claus y celebrar su propia Navidad. Para ello pedirá ayuda a sus convecinos, a los que asignará diferentes funciones. Sally, quien está enamorada en secreto de Jack, le advierte de que no es buena idea, pero el esqueleto está demasiado emocionado. Sin embargo, la joven tiene razón y las cosas se complicarán. Aunque como en todo cuento de Navidad habrá un final feliz.


La idea de Pesadilla antes de Navidad nació a principios de los años 80, cuando Burton paseaba por las calles de Los Ángeles y vio que en una tienda quitaban los objetos de Halloween para poner los de Navidad. El contraste entre Santa Claus y los esquelestos, entre las calabazas y los árboles navideños le produjo sentimientos encontrados que reflejó, poco después, en un largo poema para niños titulado Pesadilla antes de Navidad. En aquel momento, Burton comenzaba a despuntar como animador en los estudios Disney y comenzaba a trabajar en su primer cortometraje, Vicent, un homenaje a su ídolo de la infancia Vicent Price. Diez años después, Burton estaba en la cima de su carrera, después de Batman, Bitelchus y Eduardo Manostijeras, en las que el humor negro se mezclaba con ciertos toques góticos. El director consideró que era el momento perfecto para desenpolvar su poema y tratar de convencer a la Disnet para que lo convirtiera en un largometraje de animación.



El principal problema era que Burton quería rodar Pesadilla antes de Navidad con la técnica del stop-motion, algo que ya había hecho en Vicent. Sin embargo, nadie se atrevía a hacer un largometraje empleándola. Finalmente, Disney aceptó producir el proyecto a través de Touchstone Pictures que, en 1988 había combiando en ¿Quién engañó a Roger Rabbit? imágenes reales con dibujos animados. Además, el animador Henry Selick se hizo cargo de la producción, al mando de un equipo de más 140 técnicos. El rodaje resultó enormemente laborioso, ya que el equipo de animación a penas llegaba a producir 70 segundos de material utilizable a la semana. Pero Burton no sólo contó con el apoyo de la Disney y la colaboración de Selick, sino que al proyecto y, en la parte musical, se unió el compositor Danny Elfman que compuso la banda sonora, escribió diez canciones originales y puso la voz al protagonista y a dos personajes más. Finalmente, la película fue un logro técnico y todo un éxito desde su estreno, siendo nomianda al Óscar en 1994 a los Mejores Efectos Visuales. El mismo año, obtuvo una nominación a los Globos de Oro a la Mejor Partitura, así como a los premios Hugo a la Mejor Película Dramática.



Pero el éxito de Pesadilla antes de Navidad no se debe sólo a la complejidad técnica, que convierten la cinta en una obra de artesanía, sino también en los sentimientos, obsesiones y sueños que Burton plasma en ella. Así, al principio se nos presenta a un personaje pérdido, cansado de la rutina y al que nada llena. Cuando descubre un nuevo mundo, no sólo se emociona, sino que se obsesiona por integrarse en él y cambiar. Sin embargo, los habitantes de ese nuevo mundo, el de la Navidad, le harán ver que no encaja y que no será querido. Es en ese momento, cuando vuelve a apreciar su naturaleza y lucha por volver a ser él mismo. Una preciosa metáfora de la lucha del ser humano por encontrar respuestas y su verdadera naturaleza.



Pesadilla de Navidad se ha convertido con el paso de los años en una cinta clásica de la animación para niños y adultos que ha sido bien acogida por las nuevas generaciones que le han hecho un hueco en las redes sociales, como Facebook. Además, en 2008, coincidiendo con el 15 aniversario del estreno de la cinta, Disney sacó una nueva edición en 3D. La transformación a este formato fue llevada a cabo por el equipo original de cineastas que trabajó con Burton y Selick, tras un intenso proceso de digitalización dirigido por los técnicos de Industrial & Light. Disney también editó una nueva versión en DVD en tres ediciones distintas: la de coleccionista, con dos discos; la de coleccionista en Blu Ray con contenido extra, como documentales de cómo se rodó la película, un poema de Burton y un paseo por Frankeweenie, la nueva película aún sin estrenar del director; y la edición deluxe, que incluye dos discos, barba y gorro de Santa Claus, libreto de ocho páginas y un chip reproductor de frases de Jack Skellington, todo dentro de una caja-ataúd. Un buen regalo que hacerle a los amantes de Tim Burton y Pesadilla antes de Navidad.

Y llegamos al fin de semana y como desde Lastrend os quiero hacer otra recomendación cinematográfica para estos días. Esta vez, se trata de una película de terror aparecida el pasado año y que he recuperado durante el pasado puente de la Constitución. Se trata de La Huérfana, la última película del catalán Jaume Collet-Serra, que se presentó rodeada de polémica por el tratamiento que hace de la adopción. La película logra crear un clima de tensión, sobre todo, gracias a las interpretaciones de sus protagonistas aunque hay que reconocer que tiene momentos demasiado previsibles, llegando a caer en algunos tópicos del cine de terror. A mi modo de ver es una película irregular aunque entretenida y muy apropiada para estos días oscuros y lluvisoso.

La Huérfana comienza cuando Kate (Vera Farmiga) y John Coleman (Peter Sarsgaad) pierden al bebé que esperaban. El matrimonio no va bien y Kate sufre pesadillas. Para tratar de recuperar la normalidad, la pareja se dirige a un orfanato con la intención de adoptar a un niño. Allí se sienten atraídos por una niña de rostro angelical, llamada Esther (Isabelle Furhman). Sin embargo, desde el momento en el que la niña aparece cosas raras empiezan a suceder en la casa de los Coleman. Cuando Kate empieza a darse cuenta de que Esther esconde un horrible secreto tratará de descubrir qué es. Aunque en un primer momento se puede pensar que la película se trata de otra más de niños repelentes y malos con ganas, a medida que avanza la trama se puede observar que la historia va más allá y este es uno de los logros de Collet-Serra. Hay que destacar la interpretación de la joven actriz que da vida a Esther. Furhman está fantástica, mostrando un rostro diferente según lo requiere la acción: su cara puede pasar de ser angelical a convertirse en el retrato de un auténtico demonio en un sólo un parpadeo.

La elección de Furhman para interpretar a Esther fue clara desde el momento que entró por la puerta para hacer el cásting. Collet-Serra afirmó que la forma de leer el guión de esta joven actriz le dejó sorprendido. "Hizo suyo el personaje", indicó. Tampoco tuvieron dudas los directores de cásting, Joe Silver y Susan Downey. "No tardamos mucho en encontrar a Isabelle. Decidimos probar a un montón de niñas y esperar a que apareciera y cuando apareció no lo dudamos. Destacaba del resto, era perfecta. Vino vestida del personaje, tenía el acento, vino con lazos y todo. Era Esther", afirmó Downey durante la presentación de la cinta en Sitges. Y es que Furhman preparó el cásting a conciencia, pidiéndole a su madre que la ayudara a recrear el vestuario que Esther lleva en la película.

Pero no sólo destaca la interpretación de esta niña. El matrimonio Coleman tiene otros dos hijos, Daniel y Max, una niña con deficiencias auditivas. Para el papel se escogió a Aryana Engineer quien, al igual que la niña del filme tiene problemas auditivos. Todos los actores tuvieron que aprender la lengua de signos para comunicarse, no sólo con la niña en la vida real, sino también en la película. La incapacidad de Max para comunicarse de forma oral, unida a la perversidad y capacidad de manipulación de Esther dan lugar a algunos de los mejores momentos de La Huérfana. En cuanto a los adultos, la palma se la lleva Vera Farmiga. Esta actriz ya había trabajado con Collet-Serra en otras ocasiones y se entusiasmó cuando leyó el guión. Farmiga es una de las actrices mejor consideradas de Hollywood, aunque suele mantenerse al margen de las grandes producciones. Su forma de dar vida a una madre atormentada por la pérdida de un hijo y la manera de relacionarse con Esther y el resto de su familia le dan total credibilidad al personaje.



El peso de la película recae en los niños, lo que supuso un problema a la hora de rodar, ya que no pueden trabajar más de cuatro horas seguidas. Esto provocó que las escenas no se rodaran en orden y que el equipo de la película tuviera que plantearse el rodaje de una forma poco habitual. Otro de los incovenientes del rodaje fue el clima, con temperaturas de frío extremas. Y es que la nieve se llega a convertir en un protagonista más de la cinta, sobre todo en el contraste de colores: el pelo negro de Esther y la sangre que mana en algunas escenas. Además, el manejo de la narración por parte de Collet-Serra es precisa y se amplifica con un perfecto uso de la iluminación y la música. Sin embargo, y apesar de los esfuerzos del director, La Huérfana cae en ciertos tópicos del cine de terror, llegando a preveerse determinados sucesos. Aún así, merece la pena. Asi que si os animáis a verla, qué la disfrutéis!

Llevar la vida de las grandes diseñadoras al cine está de moda. Primero le tocó el turno a Coco Channel y ahora a Isabella Blow. Para quien no la conozca decir que se trata de una de las más excéntricas creadoras de moda, estilista, editora y quien encumbró a Alexander McQueen. Blow murió a la edad de 48 años al suicidarse tras ingerir insecticida Paraquat. Al igual que su protegido, Blow murió en vísperas de la Semana de la Moda de Londres. Los detalles sobre la película todavía son escasos, aunque se conoce que Galliano y Philip Treacy ya están tomando parte en la producción de la película. De hecho, Galliano ya ha hecho su apuesta por las actrices que darían vida a la nieta de Sir John Delves Broughton, procesado por el asesinato del 22 conde de Erroll en Kenia en 1941. Así, el diseñador apuesta por "Jane Malone como Isabella de joven, Chloe Sevigny en su etapa adulta e Isabella Rosellini en su etapa de mayor madurez". Veremos si finalmente son las elegidas y esperamos con impaciencia el estreno de la cinta.

Vía Trendencias.

Hoy os traigo un 2 en 1 y es que antes de entrar en el tema de hoy, me váis a permitir que nombre, una vez más, a Darío Vilas, ese joven vigués responsable de H-Horror, que ha tenido el detalle de incluir un banner de este vuestro blog en dicha página web. Es por ello, que me gustaría corresponder al detalle. Así, hoy, día 17 de septiembre, queda oficialmente inaugurada una pequeña sección mensual con todas las novedades de H-Horror (asi que Darío, no dejes de enviarme las novedades ;) ). Empezamos, evidentementes, con las de septiembre:

-H-Horror convoca nuevos concursos rápidos a través de sus foros. En los últimos se sortearon dos ejemplares de la novela Y pese a todo... de Juan de Dios Garduño y otro de Calabazas en el trastero: Terror oriental. Es requisito imprescindible estar registrado como usuario.
-Se han publicado las bases para la siguiente convocatoria para su antología, que será la quinta: Horror Hispano-Monstruos Clásicos. Esta vez se trata de dar un nuevo enfoque a los monstruos de toda la vida y primará la originalidad de los planteamientos.
-También se pueden enviar proyectos, hasta el mes de octubre, para participar en el Concurso de Relatos de Todos los Santos 2010. En relación a las antologías, el pasado 11 de septiembre se hizo público el listado de relatos y autores que formarán parte de Horror Hispano: Clásicos y Zombis. La puesta a la venta del libro será en diciembre.
-Y ya para terminar por este mes, H-Horror cuenta con nuevas secciones e incorporaciones, como la de El Necrocriticón, un ser del inframundo que irá dictando sentencias y que ha comenzado por la administración de la web y una popular película que se estrenó el pasado 10 de septiembre.

Si queréis más información, todos a la web de H-Horror.


Y ahora vamos al tema del que os quería hablar hoy. Cada vez más, las mujeres tienen un papel relevante en el mundo del cine y no sólo como actrices. Conscientes de que el talento femenino muchas veces no se reconoce como se debiera, la Coordinadora de Mostras e Festivais de Cine, Vídeo e Multimedia ha abierto el plazo de presentación de trabajos para el Festival de Cortos en Femenino 2011. Podrán participar en el certamen los cortos realizados por una o varias mujeres españolas, durante 2010 y rodados en formato 35 mm o DVD. El plazo de presentación estará abierto hasta el 1 de diciembre de 2010 y las cintas seleccionadas se darán a conocer el 2 de febrero en la web del evento. Cada uno de los cortos recibirá 60 euros por las proyecciones en las distintas muestras o ciclos. Y para más información aquí os dejo el enlace de la web. Qué lo paséis bien este fin de semana!

Vía Xuventude Vigo.

Una semana más aquí. Antes de nada, quisiera disculparme por la falta de actulización de Lastrend el viernes pero, me temo que a partir de ahora, no podré actualizarlo todos los días. Trataré de no faltar a mi cita diaria con vosotr@s, pero si lo hago sabed que no es más que por motivos de acumulación de trabajo y algunos nuevos proyectos, de los que ya os iré hablando. Dicho esto, me gustaría hablaros hoy -ya que no lo hice el viernes- de una película que me ha encantado. Yo ya soy de lágrima fácil en lo que a películas se refiere, pero lo cierto es que con esta o te emocionas o -a mi modo de ver- eres de piedra. Se trata de Donde viven los monstruos, de Spike Jonze. Ya hacía tiempo que quería verla, me tenía muy buena pinta y lo cierto es que no me ha defraudado en absoluto.


La película comienza con Max, un chico de unos 13 años, que vive con su madre y su hermana. Aunque su madre trata de hacerle todo el caso posible, sus obligaciones laborales, familiares y su excasa vida social le impiden estar todo el rato pendiente del niño. Su hermana, además, al ser más mayor tiene sus propios amigos e ignora a Max. Éste trata de llamar la atención de ambas de cualquier forma, recurriendo incluso a la violencia. Tras una acalorada riña con su madre, Max sale huyendo y llegará al país de los monstruos donde conocerá a Carol, KW, Douglas, Ira o Judith. Cada uno de ellos tiene sus propios problemas: uno se siente solo, otro abandonado, otro incomprendido... En su día a día con estos personajes, Max se dará cuenta de que no siempre podemos ser el centro del mundo, por mucho que queramos ser un rey.



Lo cierto es que Donde viven los monstruos es una alegoría de lo que podemos llegar a sentir cada uno de nosotros. ¿Quién no ha sentido que crecer es un asco? ¿Quién no ha necesitado más atención por parte de los demás? ¿Quién no se ha planteado como recomponer una relación que cada vez se enfría más? Y, sobre todo, ¿quién es completamente bueno o completamente malo? Donde viven los monstruos muestra al ser que todos llevamos dentro y que reacciona de una forma distinta en cada momento, buscando algo que le haga feliz, que le haga sentirse comprendido, integrado y querido. La evolución de cada uno de los personajes es completamente creíble y entendible. El espectador se puede identificar perfectamente con sus estados porque todos o, casi todos, hemos pasado por ellos.


Si a esto le sumamos una banda sonora muy buena y unas ambientaciones inmejorables, nos encontramos ante una película redonda, que os recomiendo muy encarecidamente. Sólo un último apunte. La película se basa en un libro infantil de Maurice Sendak, escrito en 1963 que, en su época, cosechó gran éxito. Y si vosotr@s habéis visto Donde viven los monstruos, espero vuestras opiniones.

No se trata de una reivindicación feminista, ni criticar a prácticamente todos los directores de cine y casi todas las películas por la falta de atención en la figura de la mujer. Simplemente, es una curiosidad surgida en un cómic de 1985. Se trata de la llamada prueba de Betchdel, que consiste en fijarse en tres detalles de la película:

1. Si aparecen al menos dos mujeres (con nombres) que

2. Hablan entre ellas y

3. Hablen de otras cosas que no sean los hombres


Si nos paramos a pensarlo, ¿en cuántas películas se dan estas circunstancias? Pues en pocas. De hecho, existe una web que recopila datos sobre esta circunstancia y en la que se puede ver como un total de 770 títulos no cumplen estos requisitos. ¿Qué conclusiones podemos sacar? ¿Qué el cine, como otras áreas de la vida, es machista? ¿Qué las historias contadas por mujeres -a no ser que sean tipo Sexo en Nueva York- no interesan? ¿O qué las mujeres no hablan de otra cosa que no sean los hombres? Que cada uno aporte su propia conclusión. Yo creo que simplemente es una anécdota más del mundo del cine, aunque también representa como esta sociedad en todos sus ámbitos sigue sin fijarse en el papel de la mujer más allá de algo stereotipado y frívolo.



Vía Microsiervos.

Y llegó el día... Y los dos soles de Tatooine conviertieron Compostela en un desierto por el que Jawas, Jedis y, sobre todo, Tropas Imperiales pasearon para conmemorar el pasado viernes el 30 aniversario de El Imperio Contraataca. Y como os anunciaba el viernes, Lastrend estuvo allí para verlo, vivirlo y traeros fotos. Os contaré primero que lo de Santiago convertido en desierto fue real, porque hacía un calor horroroso y además El Obradoiro estaba hasta los topes. Primero llegaron los más pequeños vestidos de jawas y acompañados de Jedis y Leias. La emoción se iba palpando hasta que, a eso de las seis y cuarto, hicieron presencia las Tropas Imperiales, acompañadas de comandantes, pilotos de TIE y un único (de hecho, fue el único que se vio) Boba Fett, perfectamente caracterizado. Entre abucheos, llegó finalmente Darth Vader que pasó revista a las tropas que sujetaban al Han Solo de carbonita, mientras sonaba la Marcha Imperial tocada por gaiteiros. Nadie se quiso perder ni un solo detalle, por lo que las zonas marcadas para al gente se disiparon y todos buscábamos un hueco para sacar las mejores fotos. Más no os puedo contar, porque me embarga la emoción. Sólo dejaros un amplio documento gráfico para que disfrutéis. Y si estuvistéis allí, contadme que os pareció.

Hoy me he levantado y, no, no he dado un salto mortal, que diría la canción, sino que me he puesto mi camiseta de un X-Wing persiguiendo un TIE. Algun@s os preguntaréis qué son esas cosas y los que ya sabéis que son dos de las naves de Star Wars os preguntaréis que a que viene que os cuente esto. Pues por si algun@ no se ha enterado aún hoy se cumplen 30 años del estreno de El Imperio Contraataca, la segunda entrega de la trilogía de George Lucas (lo siento, me niego a admitir que las tres últimas películas formen parte de esta estupenda saga, ya que Lucas se las podía haber ahorrado) y, para mi gusto la mejor. Y con motivo de esta celebración, hoy en Santiago tendrá lugar a las 17:00 horas una marcha de tropas imperiales a lo largo de la ciudad. La marcha terminará a las 19:00 delante de El Obradoiro para rendir pleitesía a Lord Vader, a ritmo de la Marcha Imperial tocada a base de gaitas.



Bajo el nombre Imperial Stormtroopers, el desfile dará comienzo en Mazarelos e irá encabezada por niños y adultos disfrazados de Jawas; a estos les seguirá cualquier persona disfraza de personajes de Star Wars (excepto las tropas imperiales), para terminar con las personas caracterizadas de tropas imperiales y Darth Vader. Al final del acto, los asistentes se podrán acercar a los personajes durante un rato para hacerse fotos con ellos. Yo, por lo pronto, me llevaré la cámara para hacer muchas fotos y el lunes poder contaros y mostraros cómo ha sido el evento. Mientras, Qué la fuerza os acompañe!!!!!!!!!!!!

Sitio original: Imperial Stormtroopers.

Viernes. Toca hablar de cine. Y, sobre todo, toca hablar de una película a la que se le está dando mucha bola: Habitación en Roma, lo nuevo de Julio Medem. Y lo que no tengo claro aún es porqué se le está dando tanta publicidad: ¿porqué es lo nuevo de Medem? ¿porqué sale Elena Anaya desnuda y protagonizando escenas lésbicas? Mmmmm... no sé, no sé. Lo cierto es que Medem me resulta cansino y nunca ha sido santo de mi devoción. Por mucho que los expertos en cine alaben su capacidad de realización, la profundidad de sus argumentos, los retorcidos caminos por los que se mueven sus personajes y todas esas cosas que tanto les gusta destacar a los críticos, lo cierto es que casi todas-por no decir todas- sus películas, me parecen un tostón en las que lo único que destaca es la cantidad de sexo que hay. Y parece mentira que, a estas alturas y con los pocos escrúpulos que hay en este país a la hora de mostrar sexo en televisión o cine (cosa que me parece muy bien, que el sexo es algo muy natural), una película sobre sexo lésbico despierte tanta expectación.



Podéis acusarme de no haber visto la cinta y de tener prejuicios contra el cine de Medem y yo os responderé afirmativamente y os daré la razón, pero en anteriores experiencias me baso. De la filmografía de este director he visto: La ardilla roja, que no me disgustó y que vi con la mente receptiva, ya que era la primera cinta de Medem que veía; Los amantes del Círculo Polar -me quedé dormida y aún con un segundo visionado no la acabé de entender- y Lucía y el Sexo, que sí entendí y no me gustó. Tanto simbolismo para presentar personajes atormentados cuyas relaciones personales no funcionan creo que sobra. En fin, que a pesar de todo, seguro que acabo por ver Habitación en Roma. Eso sí, cuando salga en DVD. Mientras si me queréis llevar la contraria, no dudéis en hacerlo y contarme qué tal está la película. Feliz fin de semana a tod@s.

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Reflexión de El Becario en 20 minutos, tras recibir una carta de un lector: ¿porqué Saw VI tuvo que ser exhibida en cines x y Habitación en Roma se puede ver en cines convencionales? Será porque Saw VI, al fin y al cabo, no le interesa a nadie y la gran obra de Medem llega a todo el público... Buena anotación con la que estoy muy de acuerdo. Aquí o jugamos todos o la puta al río (si se me perdona la expresión).

Artículo completo: 20 minutos.

No soy muy fan del cine de Ken Loach, aunque para muchos sea un genio. Sin embargo, hoy quiero hacerme eco de una iniciativa que tiene a este director como protagonista y que muchos deberían seguir. Esta iniciativa no es, ni más ni menos, que la publicación en Youtube de todas y cada una de las obras del realizador londinense. En el canal se podrá acceder a toda la filmografía de Loach en abierto, lo que supone una patada en la boca a todos aquellos que afirman que internet no sirve para difundir la cultura, sino todo lo contrario. Por el momento, ya se encuentran disponibles algunas de las mejores películas de su etapa de madurez, como Agenda oculta (1990) o Riff raff (1991), junto con películas más recientes como Ae fond kiss (2004). Lo malo -según se mire, claro, yo lo prefiero- es que las cintas están en versión original. Al margen del idioma en que estén, ojalá muchos más creadores siguieran este ejemplo, acercando su obra a todo el público y demostrando que el futuro de la cultura pasa por adaptarse a internet sin poner ningún tipo de trabas. ¡Aprenda, señora Sinde!

Vía Javier Ortiz.

Llega otro viernes más y con él un, esperemos, tranquilo fin de semana. Y como ya viene siendo costumbre, hoy os quiero hablar de una película para que veáis estos días, si podéis. No soy muy amiga de los musicales, me suelen resultar pesados. Sin embargo y, desde la primera vez que la vi (ya voy por el tercer visionado), está película me gustó y emocionó. Y he de decir que tampoco es que sea muy fan de los Beatles. Pero Across the universe toma las canciones de esta banda para hacer un musical que (aunque suene cursi) es hermoso. Sin caer en la pastelada, cuenta una preciosa historia de amor entre un joven inglés y una chica americana. La cinta, que se estrenó en 2007, se ambienta en la época de la Guerra de Vietnam y narra la historia de Jude, un joven que trabaja en los astilleros londinenses y decide ir a América para buscar a su padre, y Lucy, una joven americana que padece la muerte de su hermano en Vietnam. La joven se embarcará en la lucha contra la guerra y su relación con Jude sufrirá las consecuencias.



Una banda sonora inmejorable, con las canciones cuidadosamente escogidas y que en todo momento encajan con la historia, un argumento que se mueve entre las comunas, las revueltas estudiantiles o las drogas y una historia de amor que nada tiene que envidiar a los clásicos forman una película casi perfecta, desde mi punto de vista. Es curioso, sin embargo, que en su día esta película dirigida por Julie Taylor y que cuenta en su reparto con Jim Sturgess, Evan Rachel Wood, Joe Anderson o Dana Fuchs y en la que hay apariciones especiales como la de Bono de U2, pasó casi desapercibida entre el público, lo cual es una verdadera pena. Asi que si podéis, no dudéis en verla y en contarme si a vosotr@s os ha gustado tanto como a mi. Una vez más, feliz fin de semana a tod@s.

Más información en Imdb.

Viernes!!!! Por fin es viernes!!!! Y como cada semana, este día viene acompañado por estrenos cinematrográficos. Es por ello, que hoy no me resisto a hablar de Alicia en el País de las Maravillas, de Tim Burton, que llega hoy a nuestras carteleras. Much@s de l@s que me conocéis, sabéis mi debilidad por este director (creo que me he visto casi todas sus películas) y, en concreto, por dos de sus cintas: Big Fish y Eduardo Manostijeras. Y aunque he de reconocer que Ed Wood y Sweeney Todd no me gustaron demasiado, cada vez que sale algo de Burton, me entusiasmo. Y con Alicia me ha pasado, ha despertado mi expetación. Sobre todo, teniendo en cuenta la cantidad de merchandising que se ha lanzado: horquillas, camisetas, bolsos. Y es que parece que la historia de Lewis Carroll no pasa de moda.


De pequeña, este cuento me daba un poco de repelús y de ganas de asesinar al dichoso conejo, qué pesado era!!!. Sin embargo, con el paso de los años he sabido apreciarlo. Es por ello, que la adaptación de Tim Burton -que no alaban todos los críticos, precisamente- ha despertado mi curiosidad, sobre todo, porque sitúa a Alicia con 19 años. La joven vuelve al mundo mágico para redescubrir a todos los personajes del cuento. No dudo en que la película contará con todos los elementos que han hecho de las películas de Burton obras maestras: la mezcla de ambientes tétricos y amables, los personajes profundos y llenos de matices, el sentido del humor macabro y los sentimientos de todo tipo.


Qué más puedo decir! Pues que a pesar de la impaciencia por ver la película, esperaré un par de semanas a que los cines se vacien un poco para poder verla tranquilamente, sin niños gritones alrededor y sin aglomeración en la sala. Ya os contaré que me ha parecido. Espero que no me decepcione (confio en la actuación de Johnny Deep, como el Sombrerero Loco). Y si vosotr@s la váis a ver, contadme si os ha gustado. Aquí os dejo el trailer para ir abrindo boca. Buen fin de semana y hasta el lunes ;).



Crítica de Alicia en Zonafandom.
Crítica de Alicia en Blog de Cine.

Aprovechando que este fin de semana fue largo, decidí dar un repaso a las películas que tenía pendientes de ver, entre ellas la última de Amenábar, Agora. He de reconocer que no soy fan de este director. Creo que salvo Tesis, que sí me gustó, el resto me han dejado fría. Y esta más aún. Se supone que Agora cuenta la historia de Hipatia de Alejandría, una de las filósofas y astrónomas más importantes de todos los tiempos. Sin embargo, la cinta aborda más los hechos históricos que acaecieron en aquellas fechas, que la figura de Hipatia en sí.


La película empieza bien. Muestra a Hipatia como una mujer fuerte, ilustrada -algo raro en la época romana- y capaz de valerse por si misma. La joven es pretendida por Orestes, pero ella lo rechaza una y otra vez. Aún cuando él es capaz de declarar su amor en público, ella le insta a buscarse otra mujer. Incluso el padre de Hipatia afirma sobre su hija que "atarla a un hombre sería como condenarla a muerte". Pero poco a poco la figura de esta mujer se va desdibujando en pro de los hechos históricos: la lucha entre cristianos y paganos, entre cristianos y judíos, el análisis de los parabolanos (una especie de guerrilla cristiana) centran el argumento de Agora.



Sólo por momentos se retoma la presencia de Hipatia, sobre todo al final, cuando Amenábar decide mostrar las hipótesis elaboradas sobre esta mujer en relación con la forma de la tierra y su situación en el espacio. A pesar de todos los esfuerzos de Amenábar por centrarse en esta figura, tuve la sensación de que sólo es un pretexto para narrar otras cosas, sobre todo en los últimos minutos de la cinta, cuando Hipatia es apresada para obligar a Orestes a someterse al poder de Cirilo. Encuentro Agora vacía y dispersa. Su intento de reivindicar la figura femenina cae en saco roto. Y la interpretación de Rachel Weisz, estupenda, eso sí, pierde fuerza en medio de un guión en el que Amenábar divaga. Como supreproducción, en lo que se refiere a escenarios, vestuario y música la película es inmejorable, pero simplemente se deja ver, en mi modesta opinión. Espero las vuestras para que me digáis que os parece.

Sitio original: Agora.

Hay muchos nombres de mujer que pasan desapercibidos a pesar de sus logros y de sus grandes historias. Pueden haber hecho mucho por otras mujeres, o ser un referente para otras personas, pero si su nombre no sale en los medios de comunicación o su historia no se plasma en el cine o la televisión no existen o no se conocen lo suficiente. Es el caso de la modelo y escritora Waris Dirie que estos días es noticia porque se ha estrenado la película Flor del desierto, basada en el libro en el que cuenta su historia, que no sólo es conmovedora, sino que sirve de ejemplo de superación, fuerza y valor. Es por ello, que hoy quiero hacerme eco y homenajear a esta mujer somalí, que se convirtió en la primera mujer que habló públicamente de la ablación en una revista. Y lo hizo basándose en su experiencia personal.


A la edad de cinco años, Dirie fue sometida a la mutilación genital femenina. Sin clítoris, sin labios mayores y con un pequeño agujero sólo para orinar y menstruar, sufriendo dolores e infecciones. Este fue el infierno por el que pasó esta mujer y por el que, por desgracia, todavía siguen pasando muchas en varios países. Tras haber pasado por esto, a los trece años, la escritora, modelo y actriz, fue entregada a un hombre mucho mayor en un matrimonio arreglado, algo a lo que se opuso y se fugó, huyendo a través del desierto a Mogadisco. En 1981, Dirie se trasladó a Londres para vivir con su tío, entonces embajador de Somalia, pero cuando su tío se tuvo que volver a su país natal, a esta mujer no le quedó más remedio que vagar por las calles de Londres en busca de trabajo. Hasta que la suerte le sonrió y su vida dio un giro. Cuando trabajaba de limpiadora en un McDonald´s fue descubierta por el fotógrafo Terence Donovan que la fotografió, con la entonces desconocida Naomi Campbell. Poco después se convertiría en la primera mujer negra que aparecería en la portada de Vogue en Europa. Desde entonces, ha trabajado para Chanel, L´Oreal, Revlon, Versace, Cartier, Levi´s y un largo etc. Además, es embajadora de la ONU a favor de los derechos de las mujeres y los niños en África y tiene una Fundación para ayudarlos.


Dirie plasmó estas experiencias en el libro La flor del desierto (2003), que ahora ha sido adaptado al cine por la norteamericana Sherry Hormann, y que se estrena hoy en España. La presentación de la cinta tuvo lugar este miércoles y a ella acudió Dirie, mostrándose natural y, sobre todo, fuerte. Para acabar este post, me quedo con una frase que la modelo dijo durante la presentación de su película (que sin veré y os comentaré qué tal y espero que si vosotras la véis me digáis que os ha parecido): "Decidí que quería otra vida, estoy aquí hoy y es fantástico. No sé que voy a hacer mañana, pero este problema es fácil arreglarlo entre mujeres, entre nosotras nos entendemos. Sé lo que quiero y lucho por ello, paz y amor".



Entrevista a Waris Dirie: Gentiuno.

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Tenía pensado ir hoy a ver la película, pero mirando la cartelera he visto que no se estrena en Galicia. Una auténtica lástima. Que se vengan quejando ahora de que la gente se descarga las películas.

Hoy, 8 de marzo, se conmora en todo el mundo el Día Internacional de la Mujer. Una fecha que se conmemora desde 1975 para reivindicar "la lucha histórica por mejorar la vida de la mujer". Es por ello que hoy, a diferencia de otros días, las noticias sobre las mujeres copan los medios de comunicación. Radios, periódicos y televisiones se hacen eco de los casos de malos tratos, de las diferencias salariales, de los casos de discriminación y de la diversidad de eventos que se organizan en todo el mundo para celebrar este día. Y yo me pregunto, ¿porqué el resto de los días este tipo de noticias pasan desapercibidas? Sin embargo, no es de esto de lo que quiero hablar hoy, al menos no de forma directa.


A veces, las casualidades nos alegran el día. Tal día como hoy, Hollywood ha hecho historia. Y lo ha logrado premiando, por primera vez en los Oscar, a una mujer como Mejor director. James Cameron y su Avatar fueron vencidos por la Tierra Hostil de su ex mujer Kathryn Bigelow. En total, han sido seis los galardones que se llevó la cinta de esta cineasta prácticamente desconocida en nuestro país. Su nombre ahora pasará a la historia y lo hará con una producción idependiente, rodada en 2008, con actores semidesconocidos y que refleja de forma dura y realista la guerra de Irak.



Por fin, Hollywood reconoce el papel de las mujeres detrás de las cámaras. Y es que una vez más, alguien se ha tenido que rendir a los pies de una mujer, porque cada día son más las que muestran su talento y su valía profesional, aunque sigan sin ser verdaderamente reconocidas. No creo que fechas como el 8 de marzo sirvan para lograr avances en nuestra situación, pero al menos sirven para que se hable más de nosotras. Asi que a todas, feliz día de la mujer.

Más información sobre los Oscar: 20 minutos

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Leo: "Trueba critica a Bigelow por "usar el dolor de la gente para hacer una película de tiros"". Ya empezamos con las tonterías. Vamos a ver, ¿desde cuándo presentar una situación real es usar el dolor de la gente? Si fuera por eso, habría que eliminar, censurar y criticar todas las cintas que se han hecho sobre la Guerra Civil en España, sobre la Guerra de Vietnam, sobre la II Guerra Mundial o sobre los campos de concentración, etc, etc. ¿O es que estas películas no usan hechos históricos que en su día y aún, actualmente, duelen? Me parece que más bien lo que le ha dolido a este señor es que le den el Oscar a una mujer, porque en sus propias palabras "Bigelow es muy buena técnica, pero debe seguir haciendo películas de acción". Desde aquí, aunque dudo que lo lea, me gustaría pedirle al señor Trueba que eche la vista atrás al mundo cinematográfico y se plantee cuantas películas "usan el dolor de la gente". Luego dirá que ha sido malinterpretado por el periodista. Si la culpa siempre la tenemos los periodistas, claro.

Noticia original: 20 minutos.

Por desgracia, la violencia contra la mujer (y también contra algunos hombres, no olvidemos que también hay hombres maltratados) es algo que sigue sin resolverse en nuestra sociedad. Las escasas medidas que toman los gobiernos no son suficientes para frenar a los maltratadores (y maltratadoras). Es por ello, que las diferentes asociaciones buscan crear campañas de concienciación en contra de este grave problema. Así, el 2 de abril de 2009, Women´s Aid sacó un anuncio en el que la actriz Keira Knightley recibía una brutal paliza de su paraja. La promo terminaba con la frase que reza en el título de este post: "¿No es momento de que alguien grite 'Corten'?.

Creo que estas iniciativas, ya sean protagonizadas por mujeres famosas o anónimas son importantes. Ya que nuestros políticos no se hacen cargo de la situación (mucha paridad en el gobierno, pero luego las mujeres siguen discriminadas y siendo apalizadas) y en las escuelas no se hace nada por fomentar la igualdad y el respeto hacia el otro género (bien sea femenino o masculino), es importante que seamos los propios ciudadanos los que hagamos algo para que se terminen los casos de malos tratos. Por ello, hoy quiero aplaudir una iniciativa puesta en marcha en Youtube.

Bajo el nombre Action for Women, el canal de internet puso en marcha un concurso que, a la vez que sirve a los directores noveles para darse a conocer, pretende denunciar la violencia en contra de las mujeres. Cientos de cineastas han respondido a la llamada para "poner fin al silencio" que sufren las mujeres que se encuentran en esta situación. Y es que una de cada cinco mujeres se enfrenta cada día a malos tratos, acoso en el trabajo y discriminación laboral y social.

La convocatoria de Youtube se abrió el pasado enero y ya se han escogido los diez finalistas. El corto ganador se proyectará en la 67 edición de Festival de Cine de Venecia de este año. He estado viendo los cortos finalistas y me han impactado, pero si tuviera que escoger uno, sería el de Nora, enviado por jóvenes cineastas vascos. En esta cinta de cuatro minutos se cuenta la historia de una niña que ve como su madre es maltratada por su padre. Porque no todos los que sufren los malos tratos lo hacen de forma directa. Aquí os dejo el video de Nora.



Y ya para terminar con este post, que se está alargando un poco más de lo habitual, una última anotación. Quiero dejar clara mi postura en contra de los malos tratos, pero no sólo a mujeres. Niños, hombres hechos y derechos y ancianos también sufren vejaciones aunque no se denuncien ni tengan tanta relevancia (sobre todo en el caso de los hombres). Esperemos que poco a poco se vaya erradicando esta violencia sin sentido.

Este fin de semana se anunció el fallecimiento de una de las grandes actrices de los años 40, la británica Jean Simmons. Un cáncer acabó a los 80 años con la vida de una mujer dotada de gran sensualidad y talento. Descubierta por un cazatalentos a los 14 años, Simmons empezó su carrera en papeles secundarios. Sin embargo, su naturalidad ante las cámaras la llevaría a conquistar pronto el corazón de directores como Otto Preminger, Joseph L. Mankiewicz, William Wyler o Stanley Kubrick. Entre sus interpretaciones destaca su aparición en Hamlet, The Happy Ending (que le valió una nominación para los Oscar como mejor actriz), o Cara de Ángel, filme que la encumbró como Femme Fatal del Cine Negro. Espartaco, Horizontes de grandeza o Sinhué, el egipcio fueron otras de las cintas que encumbraron a esta actriz, ganadora de dos Globos de Oro. Toda una leyenda que se ha ido, pero nos deja el recuerdo de sus películas.